진해인

대학과 대학원에서 판화를 전공하며, 항상 판화의 규정이나 범위 등에 대하여 생각했다. 현대 판화는 상업적 활용성 이외에 어떤 다른 의의를 가지는 것인지 등에 대한 반복적 물음에 끝에 나는 판화의 기술ㅡ반복적인 일련의 절차를 거쳐 여러 장의 에디션을 제작하는 보수적 의미에서의 판화 기술ㅡ이 '수행적 성격'을 갖는다는 결론에 이르렀다. 이런 판화의 수행적 성격은, 반복적인 행위 그 자체에서 시작하는 것으로 마치 종교의 수행과 비슷한 성격을 가진다고 생각한다. 물론 다른 일련의 예술 행위도 수행적 성격을 가지고 있다고 생각하지만, 특히 같은 이미지를 여러 장으로 찍어내는 판화의 기술, 그리고 반복과 그 차이에서 오는 변화를 인지하는 것ㅡ그것이 마치 수행과 비슷한 것이 아니지 않을까 하는 생각을 하곤 한다.
그래서 나는 판화 작업을 곧 정신적 수양이라고 생각하기도 한다. 여러 장의 에디션을 찍고 그 사이의 과정에서의 차이가 드러나는 결과물을 비교할 때는 마치 내가 걸어온 길을 보는 것 같은 그러한 감정을 느끼기도 한다.

Majoring in printmaking during both my undergraduate and graduate studies, I constantly contemplated the definitions and scope of printmaking. Repeatedly questioning what significance modern printmaking holds beyond its commercial utility, I concluded that the technique of printmaking—understood in its conservative sense of producing multiple editions through a repetitive series of procedures—possesses a 'meditative character.' This meditative nature of printmaking begins with the repetitive act itself, which I believe is akin to religious meditation. While I think that other series of artistic activities also have a meditative character, the technique of producing multiple prints of the same image and recognizing the changes that come from repetition and difference seems particularly similar to meditation.
Thus, I often regard the process of printmaking as a form of mental discipline. When I print multiple editions and compare the resulting differences that emerge during the process, I experience a feeling akin to looking back on the path I have walked.